로마 보르게세 미술관에 있는 지안 로렌조 베르니니의 아폴로와 다프네 앞에 서면 바로크 조각의 매력이 몇 초 만에 명백해집니다. 다프네의 손가락이 월계수 잎으로 뻗어나가고 발가락이 뿌리를 내리며 입을 벌리고 대리석이 들리는 비명을 지르는 정확한 순간에 신화적인 추격전이 펼쳐집니다. 이는 1600년대 초반부터 1700년대 중반까지 유럽을 지배했던 스타일이다. 그것은 이야기가 제공할 수 있는 가장 극적인 단 하나의 순간을 선호하기 위해 차분하고 이상적인 고요함을 거부하고, 빛, 그림자, 그리고 보는 사람의 발자국이 구성을 완성하도록 조각되었습니다.
간단히 말해서, 바로크 조각품은 움직임, 감정, 광경을 위해 설계된 조각품입니다. 기술적으로나 예술적으로 그러한 효과를 어떻게 달성했는지 이해하는 것은 오늘날 분수, 교회 인물, 천사 또는 정원 조각상을 의뢰하는 사람에게 중요합니다. 베르니니가 해결한 동일한 구조적 문제가 모든 작업장에서 여전히 해결해야 하는 문제이기 때문입니다.
르네상스 인물은 일반적으로 균형 잡히고 차분한 자세로 당신을 바라보고 있습니다. 바로크 양식의 인물들은 비틀리고, 돌진하고, 자신의 가장자리를 넘어 도달합니다. 그 시대의 워크샵 전반에 걸쳐 반복되는 다섯 가지 특성은 다음과 같습니다.
모든 특성에는 기술 비용이 있습니다. 나선형 포즈는 무게 중심을 베이스에서 밀어내고, 깊은 언더컷은 돌에 장력을 가하며, 공중 휘장은 끌로 자르기 전에 완벽하게 모델링되어야 합니다. 따라서 그 시대의 스튜디오에서는 보제티(bozzetti)라고 불리는 작은 점토 스케치로 작업하고 역학이 해결된 후에만 이를 확대했는데, 이러한 작업 흐름은 오늘날에도 거의 변하지 않고 남아 있습니다.
현대의 주조업체들은 여전히 이러한 역동적인 신화적 집단을 맡고 있습니다. 청동 켄타우로스와 천사 조각상은 운이 아닌 내부 뼈대에 의해 해결된 동일한 불균형, 위쪽으로 도달하는 에너지를 전달합니다.
청동 명기와 천사 조각
청동 켄타우로스와 천사 조각상 청록색 녹청을 지닌 1.8m 높이의 근육질의 켄타우로스와 장난기 많은 날개 달린 천사의 청동 쌍은 베르니니의 역동적인 신화 그룹의 불균형하고 위로 뻗어나가는 에너지를 반영합니다. 제품보기 → Gian Lorenzo Bernini(1598~1680)는 작곡가가 학교를 정의하는 방식으로 스타일을 정의했습니다. 서른 살이 되기 전에 그는 시피오네 보르게세 추기경을 위해 명왕성과 프로세르피나, 아폴로와 다프네 그룹을 조각했는데, 그 표면의 현실감은 여전히 방문객들을 불안하게 합니다. 손잡이 아래로 움푹 들어간 돌 살과 긴장되는 대리석 밧줄. 전통에 따라 그의 다비드는 조각가 자신의 얼굴을 찡그린 얼굴을 하고 있으며, 마페오 바르베리니가 거울을 들고 있는 동안 작업했습니다.
그의 성숙한 작품은 예술의 융합을 더욱 촉진시켰다. 코르나로 예배당(Cornaro Chapel)에 있는 성 테레사의 엑스터시(Ecstasy of Saint Teresa)는 금빛 광선 뒤에 가려진 창문을 통해 빛을 발산합니다. 성 베드로 대성당에 있는 성 롱기누스(1638년 완성)는 군인의 개종을 걷는 동안 읽을 수 있는 회전식 구성으로 바꿉니다. 나보나 광장에 있는 4대 강의 분수(1651)는 오벨리스크 아래 석회화 바위에 거대한 강의 신을 세웠으며, 물이 전체 앙상블에 생기를 불어넣었습니다.
로마는 결코 원맨쇼가 아니었습니다. Stefano Maderno의 Santa Cecilia(1600)는 잊혀지지 않는 자연주의로 세기를 열었습니다. 프란체스코 모치(프랑스sco Mochi)의 <성 베로니카(Saint Veronica)>(1639년 완성)는 수십 년 동안 그 누구도 따라올 수 없었던 강풍을 휘장에 불어넣었습니다. Alessandro Algardi는 교황의 후원자들이 높이 평가하는 절제되고 고전적인 대안을 제시한 반면, Francois Duquesnoy는 플랑드르의 명확성을 가져왔습니다. 다양성이 중요합니다. 바로크 양식은 항상 하나의 공식이 아닌 일련의 솔루션이었습니다.
두 세대 동안 동일한 어휘가 매우 다른 취향과 신념의 분위기에 적응했습니다.
| 지역 | 주요 인물 | 독특한 지역 특성 |
|---|---|---|
| France | 피에르 퓨제, 앙투안 코이세복스 | 고전주의는 드라마를 완화시켰다. 베르사유 정원은 대리석 그룹과 분수를 무대 풍경으로 사용했습니다. |
| 남부 네덜란드 | 장로 아르투스 쿠엘리누스, 루카스 페이드허베 | 루벤스의 그림에 가까운 근육질 감성을 지닌 고부조 교회 장식과 암스테르담 시청 부조. |
| 네덜란드 공화국 | 롬부트 베르훌스트 | 바로크 수사학이 주로 무덤에만 국한된 절제된 고전 독서입니다. |
| 영국 | Grinling Gibbons 및 기념비 워크숍 | 장례식 조각상과 라임우드 조각, 귀족적 절제를 통해 걸러진 연극적 성격이 돋보입니다. |
| 스페인 | 그레고리오 페르난데스, 후안 마르티네스 몬타네스 | 유리 눈과 코르크로 만든 상처가 있는 다색 목재 행렬 파소가 성주간 동안 거리를 행진합니다. |
| 라틴 아메리카 | 키토 학교 워크숍 | 이베리아 모델은 현지 목재와 색소로 재건되어 어디에서나 가장 감정적으로 직접적인 종교적 인물을 만들어냅니다. |
| 독일과 오스트리아 | Egid Quirin Asam과 Asam 가족 | 제단, 치장벽토, 건축물은 어지러운 전체로 융합되어 20세기 중반에 로코코 양식으로 변모했습니다. |
스페인과 라틴 아메리카 지점은 특별한 주목할 가치가 있습니다. 이 인물은 흰 돌이 아니라 페인트 칠한 나무였으며 종종 실제 직물로 입혀졌으며 사실주의는 박물관 전시보다는 행렬 공연에 도움이 되었습니다. 즉, 마감은 항상 용도에 따라 정의되었습니다.
바로크 대리석 조각은 재료의 약점인 긴장감과의 절제된 싸움이다. 드릴 채널은 휘장 접힌 부분에 깊은 그림자를 드리우고 광택이 나는 피부와 거칠게 톱니 모양의 돌 사이의 대비가 인물을 앞으로 밀어내므로 단일 인물이 여러 등급의 마감을 수행할 수 있습니다. 오늘날의 구매자에게 교훈은 실용적입니다. 깊은 언더컷은 비용과 취약성을 증가시키므로 모든 곳이 아니라 시선이 이동할 곳을 지정해야 합니다. 현재 스튜디오에서 수작업 기술과 현대적인 확대 및 복제 방법의 균형을 맞추는 방식은 대리석 인간 조각이 전통적인 장인 정신과 현대 기술을 어떻게 융합하는지에 대한 이 보기에서 설명된 것처럼 정확한 고전 인물과 딱딱한 사본을 구분하는 것입니다.
바다의 신들과 바람에 날리는 신들은 이 조각의 자연스러운 시험 사례로 남아 있습니다. 이것이 바로 긴장된 포세이돈이 현대 안뜰에서도 여전히 바로크 양식으로 읽히는 이유입니다.
포세이돈을 테마로 한 대리석 조각품
포세이돈을 테마로 한 대리석 인간 조각상 삼지창과 흐르는 휘장을 갖춘 약 1.8~2.5m 높이의 이 내후성 포세이돈 동상은 청동기 시대의 바다 신 구성이 현대 안뜰이나 물가에서 여전히 바로크 양식의 힘으로 읽히는 이유를 보여줍니다. 제품보기 → 로스트왁스 주조는 조각가들을 돌의 구조적 논리로부터 해방시켰습니다. 얇은 공중 휘장, 말을 키우는 것, 대리석에서 부서질 정도로 완전히 언더컷된 몸통은 청동에서 일상적이며, 이것이 바로 그 시대의 가장 극단적인 구성, 무엇보다도 분수가 결국 주조된 이유입니다. 주조에는 주형 제작, 체이싱, 녹청 단계가 추가되며 각 단계는 품질의 관문입니다. 수수료를 받기 위해 두 금속의 무게를 측정하는 경우 청동 조각 유형 및 기술에 대한 조사를 시작하는 것이 합리적입니다.
치장용 벽토, 테라코타 및 페인트칠한 목재는 바이에른 금고 천사부터 키토 성인에 이르기까지 나머지 전통을 이어받았으며, 최종 재료가 손에 닿기 전에 항상 승인된 실물 크기 모델로 연결되었습니다.
이 어휘를 사용하는 데에는 교황의 예산이 필요하지 않습니다. 바로크 작품을 최대한 활용하는 클라이언트는 세 가지 습관을 공유합니다.
조각된 유럽 백색 대리석 분수는 그 전통의 직계 후손이며, 형상 작업, 세면기 기하학 및 수력학이 하나의 계약으로 어떻게 해결되어야 하는지 보여줍니다.
유럽식 흰색 대리석 분수
유럽 백색 대리석 분수 단일 흰색 대리석 블록으로 조각된 3.0~4.0m 높이의 이 분수는 인물 작품, 세면대 기하학, 흐르는 물을 결합하여 통합된 조각 디자인의 바로크 전통을 이어갑니다. 제품보기 → 제조업체에 브리핑할 때 바로크 양식의 조각이 가장 강조하는 사항, 즉 언더컷과 캔틸레버를 강화하는 방법, 조각이나 주조가 시작되기 전에 모델을 승인하는 방법, 최종 마감 수준, 배송을 위해 조각을 분할하고 상자에 넣는 방법, 현장에서 작업을 고정하고 수평을 맞추는 사람 등을 강조하세요. 형용사가 아닌 그림과 참고 자료를 통해 이러한 질문에 답하는 워크숍은 긴장감을 바탕으로 한 구성을 전달하고 수십 년 동안 유지할 수 있는 워크숍입니다.
바로크 조각품은 영구적인 문제, 즉 관심을 끄는 순간에 불활성 물질을 살아있는 것처럼 느끼게 만드는 방법을 해결하기 때문에 지속됩니다. 대각선, 휘핑 휘장, 융합된 분수와 형상의 앙상블은 예술적인 것만큼이나 공학적 해답이었으며, 이것이 그들이 현대 교회 프로젝트, 사유지 정원 및 공공 광장으로 깔끔하게 옮겨진 이유입니다. 배경을 위한 재료를 선택하고, 관객의 움직임을 계획하고, 이야기 속 장소에 물을 넣으면 17세기는 로마에서 그랬던 것처럼 여전히 당신의 프로젝트에 열심히 일할 것입니다.
다니엘 H.
아만다 R.
로버트 B.
제니퍼 S.
제임스 W.
배리 G.
마이클 T.
에밀리 K.
데이비드 L.
사라 M.
마이키 15세
작쉐
